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Seu rei mandou ir ao teatro!

Seu Rei Mandou…faz única sessão no Marco Camarotti dia

Seu rei mandou agradecer a Luciano Pontes e Cia Meias Palavras. Pela criação, adaptação, concepção, figurinos, produção executiva, atuação, diversão, jeito de mandão e delícia de humor na montagem Seu Rei Mandou…. Neste caso, a realeza – as crianças – são críticas mais competentes e eficientes do que qualquer um de nós cheios de quiprocós ou teorias tentando problematizar o simples. E elas se divertem, participam, riem, se deixam levar pelas histórias de um mundo mágico. São coautoras efetivas na construção desse espetáculo. O que dizer do garoto que paticipou da sessão que vi no Janeiro de Grandes Espetáculos, no Teatro Marco Camarotti?

Luciano Pontes conta três histórias – A lavadeira real, O rato que roeu a roupa do rei, e O rei chinês Reinaldo Reis. É um trabalho baseado na pesquisa do ator na contação de histórias e traz a carga da sua experiência como palhaço nos Doutores da Alegria.

Às vezes a gente esquece (vivo dizendo isso por aqui!) – vamos mesmo ao teatro para ouvir uma história. E isso para quem se dedica a escrever, para o ator, para o diretor, não é uma tarefa nada fácil. Mas quando essa história é bem contada, quando há uma organicidade, uma energia, uma vitalidade. Ah…é mágico. Um prazer para quem tem a oportunidade de estar do outro lado.

Em Seu Rei Mandou… os artifícios são todos bastante simples. O ator-narrador usa pequenos tapetes, uns leques. Como alguém que viveu muito em meio aos tecidos, graças a mãe, como ele mesmo gosta de dizer, Luciano idealizou e, mais ainda, conseguiu executar lindos figurinos. É alguém que se preocupa com o detalhe e isso mostra a compreensão e a responsabilidade que esse ator sabe ter ao subir ao palco.

A música agrega imensamente ao trabalho – fato que Luciano não é um cantor; mas aqui não há problemas nisso. O parceiro de cena e flauta é Gustavo Vilar. É tudo muito bem costurado, poético, leve, sedutor no ótimo sentido da palavra.

Uma questão que acho que Luciano Pontes ainda vai trabalhar muito é a dramaturgia. Porque, claro, teatro é processo. Sei que não é necessário compreender tudo; mas às vezes, em alguns momentos do texto, como no último quadro, acho que essa comunicação poderia ser facilitada; talvez com algumas pequenas alterações na linguagem mesmo.

Impossível não se divertir com as sacadas nas respostas rápidas com as crianças, ao ver o ator chamando a mãe que realmente estava na plateia, o domínio de cena no jogo com o espectador, com a criança. Ao final da montagem, até o mais carrancudo dos seres, terá um sorriso de canto a canto da boca. A professora sentada no chão comenta – “incrível, né? Ah, se os professores soubessem contar histórias assim e se tivessem esse domínio todo com as crianças.”

No Janeiro de Grandes Espetáculos a montagem ganhou o Prêmio Apacepe de melhor diretor, figurino e iluminação. A próxima oportunidade de ver a peça por aqui é na Mostra Marco Camarotti de Teatro para a Infância e Juventude, no dia 7 de março, às 10h. O Teatro Marco Camarotti fica no Sesc Santo Amaro.

Este ano, a mostra dá destaque ao Mão Molenga, com quatro espetáculos do grupo. Em breve, a programação completa aqui no Yolanda!

— Nós já tínhamos falado sobre Seu Rei…aqui no Yolanda.
Confira a crítica de Ivana Moura sobre o espetáculo.

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O que os atores querem – e podem

A Filha do Teatro. Foto: Ivana Moura

Trazer o próprio ofício ao palco não é uma tarefa fácil. Porque há o risco, gigantesco por sinal, de ficarmos rodando em círculos, falando do próprio umbigo. E muitas vezes os autores esquecem que não estão escrevendo para os seus pares. Não conhecia o texto A Filha do Teatro, de Luís Augusto Reis, até ver a montagem da Cênicas Cia de Repertório, que estreou no Janeiro de Grandes Espetáculos, no Teatro Arraial. E em meio a tantas montagens do Janeiro – algumas nem tão boas assim -, A Filha do Teatro foi um achado. Um respiro. Bom texto e boas atrizes, ufa! Que combinação difícil de encontrar!

O texto é intrigante, interessante, nos envolve logo de cara e faz com que a gente permaneça assim até o fim. E olhe que (nada mais óbvio de dizer), neste caso, é importante ressaltar sim: é um texto que depende em muito das atrizes que vão encená-lo. A primeira personagem mesmo diz: “Como diretora de teatro, eu já devia ter aprendido isto: não adianta querer consertar tudo. Por mais que você mostre os melhores caminhos, os atores terminam fazendo o que eles querem – ou podem.”

A Cênicas Companhia de Repertório fez uma escolha muito consciente e feliz. Mostra o amadurecimento do grupo, a vontade de continuar crescendo e apostando no trabalho continuado. É o décimo espetáculo do grupo em onze anos de atividade; e, para esta montagem, eles não tiveram nenhum apoio financeiro.

A opção pela narração na dramaturgia se sustenta pela qualidade das atrizes e pelo jogo que se estabelece entre elas – Bruna Castiel, Sônia Carvalho e Manuela Costa. Quatro mulheres são citadas no texto e apenas três delas são representadas, com as atrizes trocando os mesmos papeis com o desenrolar da história.

A atuação de Manuela logo na abertura da montagem já nos captura de pronto. Bruna Castiel causa impacto com corpo e, principalmente, voz. É uma jovem atriz que ainda pode nos surpreender muito. Pelo papel em A Filha do Teatro, aliás, ela levou o prêmio Apacepe de melhor atriz no Janeiro de Grandes Espetáculos 2013.

Claro que foi uma estreia – e aí há sempre os percalços. Sônia Carvalho, por exemplo, tropeçou no texto. Aqueles instantes de angústia para ator e público.

A direção de Antônio Rodrigues é correta, mas o ritmo da montagem ainda soava um pouco arrastado, lento. E talvez esse texto, essas atrizes, mereçam uma experimentação mais ousada; seja nos cenários, na movimentação em cena, na iluminação. A cena pode trazer mais tensão, pode capitalizar o texto.

O espetáculo, que deve entrar em temporada no fim de março, merece tempo em cartaz para amadurecer, para ter o ritmo ajustado e para que o público tenha a oportunidade de ajudar a construir essa obra.

Volto ao texto de Luís. “Todo mundo de teatro tem essa pretensão de querer mostrar “as verdades” para o público. Mas é o público que nos mostra a verdade! Ficamos meses, às vezes anos, concebendo um espetáculo, e aí vem a plateia, paga o ingresso, e só quer uma boa diversãozinha. Quer esquecer as verdades, por uma ou duas horas, de preferência dando muitas gargalhadas. Nos meus espetáculos, eu odiava quando a plateia ria por qualquer coisa”.

Bruna Castiel (centro) ganhou prêmio de melhor atriz por sua atuação na montagem

Manuela Costa

Sônia Carvalho

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O palhaço da minha infância

Palhaçadas – Histórias de um circo sem lona

Palhaças – História de um circo sem lona, montagem da Cia 2 Em Cena de Teatro, Circo e Dança, é uma prova de que o “tradicional” pode sim nos envolver e surpreender. De que “invencionices” nem sempre são necessárias para nos levarem ao espaço do lúdico, da imaginação, da risada despretensiosa – mas que é cheia de significados, como só a criança consegue dar.

A peça, que foi encenada no Janeiro de Grandes Espetáculos e ganhou os prêmios de melhor ator (Alexsandro Silva), melhor ator coadjuvante (Arnaldo Rodrigues) e maquiagem, é fruto da pesquisa sobre Palhaços Brasileiros – A formação do palhaço no Brasil, realizada pela companhia.E não dá mesmo para dissociar o resultado no palco do mergulho que esses atores engendraram pelo circo tradicional. É consistente, rico, tem densidade. A dramaturgia, assinada por Alexsandro Silva (além da encenação e da preparação de palhaços), os números, as piadas, a maquiagem, o figurino, tudo tão conhecido – poderia mesmo cair no “mais do mesmo”, mas eles escapam disso com competência.

São dois palhaços que perderam tudo num incêndio e daí partem para se apresentar nas ruas. A dupla Alexsandro Silva e Arnaldo Rodrigues é uma delícia. E o primeiro consegue uma empatia com as crianças surpreendente. Quem nunca viu o número do fantasma no circo? Quer mais clichê? Mas é maravilhoso e as crianças de hoje definitivamente merecem isso.

Outro ponto alto da montagem é a música ao vivo com Flávio Santana e Davison Weslley. Agrega poesia, lirismo, brincadeira, timing certo para os números. O único momento em que para mim há uma quebra no ritmo da montagem é exatamente o final. É como se a peça viesse sempre no crescente de força e energia e naquele momento para todo mundo sair feliz do teatro – houvesse uma quebra nesse ritmo.

Palhaçadas – Histórias de um circo sem lona já tem sete anos de estrada e fez muitas apresentações em espaços públicos, principalmente em feiras livres. E, segundo os atores, está em constante recriação para nos fazer amar de novo – e sempre – a figura do palhaço.

O fantasma! Atrás de você!

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O preço de uma traição

Duas mulheres em preto e branco foi apresentada no Janeiro de Grandes Espetáculos. Foto: Pollyanna Diniz

Quer dor mais profunda do que a da traição? De saber que o elo da confiança foi rompido? Buscamos as supostas verdades, queremos saber os porquês. Letícia é uma mulher que passa por esse momento; mas tem não só um acerto de contas com a ‘traidora’, a amiga Sandra, companheira desde o tempo de faculdade. Ela revive épocas, sentimentos, caminha pela memória, vai e volta numa construção que tem muitas referências e fragmentos.

Em Retratos Imorais, livro que traz 22 contos, Ronaldo Correia de Brito faz um mergulho na narração e na memória. Desse universo, as atrizes Paula de Renor e Sandra Possani decidiram levar ao palco o conto Duas mulheres em preto e branco, com a história da amizade de Letícia e Sandra. A montagem estreou ano passado no Porto Alegre Em Cena, fez temporada no Recife e participou de dois festivais: do Recife do Teatro Nacional e do Janeiro de Grandes Espetáculos.

Quando o livro Retratos Imorais foi lançado, em 2010, Thiago Corrêa, jornalista, mestrando em Literatura, e na época crítico literário do Diario de Pernambuco, escreveu:

“Nem todos os contos parecem consolidados em Retratos Imorais. Duas mulheres em preto e branco, Rainha sem coroa e Romeiros com sacos plásticos surgem ainda disformes, verdes, com referências demais e passagens que se desprendem do contexto, soando como o rangido causado por parafusos frouxos. No entanto, apesar do estranhamento causado por essas histórias, vale ressaltar que elas representam o espírito do escritor em tentar se renovar enquanto linguagem, colocando-se à prova através de experimentalismos (seja na tentativa de reproduzir um discurso histérico ou por associações políticas que fogem ao personagem). E isso ocorre justo no momento em que qualquer escritor corre o risco de se acomodar na mesmice, por ficar em evidência pela conquista de um prêmio importante, do porte do São Paulo de Literatura, vencido por ele em 2009, com Galiléia”.

Concordo com as ponderações de Thiago na sua crítica. Em Duas mulheres… há referências a uma época, ao cinema, à literatura, ao próprio teatro. Todas explícitas demais; para mim, ao invés de agregarem, causam a sensação no espectador de “pedantismo” – de que estão ali muito mais para trazer certo empoderamento à obra. Essa impressão não se estabelece de forma definitiva ou ao longo de toda a montagem, mas paira sim em alguns momentos do discurso. Se fosse só a relação, o acerto de contas, o olho no olho entre Sandra e Letícia, talvez a peça nos tocasse muito mais.

A transposição do texto para o palco, sem adaptações, foi certamente um dos desafios para o diretor Moacir Chaves. A opção pelas quebras e alternâncias entre o teatro narrativo e o embate entre as duas atrizes nos leva a um espaço de envolvimento e sedução. É um ritmo intenso de energia que se estabelece entre as intérpretes e que consegue se manter efetivamente até o fim do espetáculo.

Tanto Paula de Renor quanto Sandra Possani se entregaram a essas personagens com um amor e uma dedicação que ficam muito visíveis no palco. Estão em cena inteiras e sem muitas disparidades nas encenações. Mas ainda tem muito a crescer. A opção pela linguagem cinematográfica em alguns momentos, acabou trazendo também a supercialidade.

Vi duas vezes a montagem – durante a temporada e no Janeiro. E lembro que, da primeira vez, as atrizes estavam mais soltas, mesmo diante das marcações do diretor. Provavelmente resultado de um tempo sem encenar a montagem. Mas é uma dupla que se faz muito verossímel. Enxergamos esse conflito de forma real e próxima e ao mesmo tempo as alterações pelas quais passam as personagens ao longo do espetáculo, seja voltando no tempo ou tomando consciência da “esperança da ruptura”, da qual nos fala Moacir Chaves no programa do espetáculo.

A cenografia de Fernando Mello da Costa é bonita, coerente e útil, e integra organicamente a encenação. A luz de Aurélio de Simoni também agrega e acentua momentos plasticamente belos na montagem – são elementos criativos que realmente se somam à obra, assim como a trilha de Tomás Brandão e Miguel Mendes. A cenografia e a sonoplastia, aliás, foram os dois prêmios que a montagem levou no Janeiro de Grandes Espetáculos.

Sandra Possani

Paula de Renor

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Música de palhaças!

Com a banda de palhaças As Levianinhas é um “problema” atrás do outro. Mas como para o clown o “erro” é a magia da criação, tudo certo. Enne Marx (Mary En), Juliana de Almeida (Baju), Nara Menezes (Aurhelia) e Tâmara Floriano (Tan Tan) são um quarteto fantástico em As Levianinhas em pocket show para crianças, espetáculo apresentado durante o Janeiro de Grandes Espetáculos. O entrosamento, as gags, o humor na medida exata. Humor sem subestimar a capacidade e a inteligência da criança.

E cada uma das atrizes consegue delinear muito bem o seu clown, tem o seu personagem. Fica claro para as crianças a mandona, a chefa que é Mary En; ou a criança grande que é Tan Tan com a voz gasguita. Quem tem a referência anterior do espetáculo adulto, sabe que esse era um dos desafios da Cia Animè ao decidir montar a versão para crianças: trazer essas palhaças para um universo infantil. Como tirar de Mary En a bebida? Da dramática e sentimental Baju os seus comprimidinhos? E ainda assim conseguir estabelecer a mesma identidade para esse clown?

As escolhas musicais tornam o espetáculo um passeio muito divertido. É um repertório cheio de referências afetivas e ao mesmo tempo completamente adequado ao espetáculo. Como na cena com Aurhelia de bíquini amarelinho; e todas as suas trapalhadas.

A participação do público na montagem é de fato muito orgânica; não é só pra estar na moda do “teatro interativo para crianças hiperativas”. Faz sentido, cabe. E as crianças são a prova disso. Se divertem horrores na hora de trocar as palavras da música ou ao verem seu nome dizendo que elas não lavam o pé! Podem ajudar a alavancar de forma surpreendente o espetáculo; mas são sempre um risco – porque não sabemos a reação da criança. E nessa hora o trabalho consistente e a experiência gritam! Para estar muito atenta à criança pequena que não vai saber cantar a música toda ou para aproveitar aquele pequeno inquieto que faz questão de participar.

Como o espetáculo adulto é uma referência ainda muito pulsante para mim (e a gente inclusive teve a honra de tê-las se apresentando no primeiro aniversário do Yolanda ano passado!), ainda acho que o adulto tem mais ritmo, é mais dinâmico, tem uma velocidade maior. É como se As levianinhas me parecesse mais arrastado, lento. Também tenho recordações da utilização dos elementos sonoros por Mary En no adulto de forma mais interessante e engraçada. E olhe que elementos não faltam para que ela utilize todos os brinquedos, sonoros ou não.

É um espetáculo que provavelmente muda o tempo inteiro; se teatro é a construção constante, aqui mais ainda. Pela possibilidade de alterar o repertório, de testar o que funciona ou não com as crianças e fazer mudanças, pelo encontro sempre criativo dessas palhaças em cena.

Note
É preciso registrar a maestria com que a Cia Animé conduziu a cerimônia de encerramento do Janeiro de Grandes Espetáculos, no Teatro Apolo. As Levianas arrasaram! Uma cerimônia que todo ano é tão difícil, porque é longa, com aquele número enorme de categorias, esse ano foi divertida, elétrica. E, claro, muito merecido os prêmios que vocês ganharam. Para quem ainda não sabe, elas levaram: melhor espetáculo infantil pela comissão julgadora, melhor atriz (para Juliana de Almeida e Tâmara Floriano), cenografia e trilha sonora.