Os artistas precisam de dignidade
clama a produtora e atriz Paula de Renor,
homenageada do Janeiro de Grandes Espetáculos

A atriz Paula de Renor emocionada, ao lado do produtor do JGE Paulo de Castro, também segurando as lágrimas. Foto: TMF / Divulgação

Paulo de Castro ao centro e Paulo de Pontes. Foto: TMF / Divulgação

Com o quadro pintado pelo artista Cleusson Vieira. Foto: TMF / Divulgação

As aberturas de festivais têm aquela parte cerimonial incontornável, com discursos de colaboradores e patrocinadores, que são essenciais para a sobrevivência do evento, mas um pouco maçante para a plateia. É da natureza dessas cerimônias. Contudo, para ser justa, a abertura desta 31ª edição do Janeiro de Grandes Espetáculos, ocorrida na noite de ontem (09/01), no Teatro de Santa Isabel, está inserida numa informalidade quase doméstica. O ator Paulo de Pontes, mestre de cerimônias do JGE, imprimiu esse tom descontraído e bem-humorado, quase jocoso. Pontes mencionou que tem 56 anos, 20 dos quais dedicado ao festival, que ele destaca como parte essencial da vida cultural pernambucana. Segundo Paulo, “querendo ou não, esse é um dos maiores festivais de artes cênicas e música do Brasil”.

O produtor geral do festival, Paulo de Castro, ressaltou que não é possível realizar um evento dessa envergadura sem patrocínio e apoio. Ele expressou gratidão à vice-governadora Priscila Krause, mesmo ausente, por seu suporte nos últimos anos, assim como ao apoio da prefeitura e do governo do estado. Entretanto, Paulo destacou a necessidade de um maior envolvimento do governo federal, cuja proximidade e contribuição são essenciais para garantir a continuidade e o fortalecimento das atividades culturais.

Durante quase 20 anos, Paula de Renor dividiu a tarefa de tocar o Janeiro, junto com Paulo de Castro e Carla Valença. Foto: TMF / Divulgação

A verdade, que sabemos, é que os recursos são escassos e o evento acontece graças principalmente à colaboração dos artistas, que recebem um cachê irrisório e, de fato, dão sustentação ao festival. Melhorar essas condições para os trabalhadores da cultura é imprescindível.

E esse foi o tom do discurso de uma das homenageadas do festival, a atriz e produtora Paula de Renor, em um dos momentos mais marcantes da noite. Emocionada, Paula compartilhou sua alegria com a homengem, mas também expressou a falta que sentiu de Carla Valença, sua amiga e colega de palco, que estava na plateia e não foi homenageada este ano.

Durante seu breve discurso, Paula refletiu sobre as realidades enfrentadas pelos artistas. Ela destacou a necessidade urgente de mais apoio financeiro, dignidade e pagamentos justos para os profissionais das artes cênicas. Enfatizou que, apesar das melhorias da cadeia produtiva ao longo dos anos, ainda há muito a ser conquistado. Paula mencionou que a luta por políticas culturais contínuas é incessante e lembrou a todos que, apesar de ser um dia de festa, os desafios persistem como uma espada sobre as cabeças daqueles que fazem arte.

Paula de Renor, em sua fala, lembrou que os avanços alcançados por produtores e artistas de Pernambuco não vieram facilmente e o JGE sempre foi um espaço de resistência e reivindicação.

Poeta, ativista e vereadora Cida Pedrosa, uma das homenageadas do festival. Foto: TMF / Divulgação

O JGE também prestou homenagens a outras figuras que têm feito contribuições significativas para a cultura pernambucana. Entre os homenageados estavam Márcia Souto, pela condução da política cultural; Bernardo Peixoto, representante do Sistema Fecomércio Sesc/Senac Pernambuco, que não compareceu mas enviou uma representante; a vereadora, poeta e militante cultural Cida Pedrosa; e Queiroz Filho, parceiro de longa data da Apacepe. As demais pessoas homenageadas receberão seus troféus no dia da premiação.

A proposta conceitual desta edição do Janeiro é a liberdade de expressão na cena pernambucana, valorizando a diversidade cultural e a arte como ferramenta revolucionária e transgressora. O festival é dedicado ao grupo Vivencial, fundado na década de 1970 em Olinda e que celebra os 50 anos de sua fundação. Guilherme Coelho, ator e diretor, mentor intelectual e diretor do Vivencial, é um dos homenageados dessa edição.

Lia de Itamaracá ladeada por Elízio de Búzios e Áurea Martins. Foto: TMF / Divulgação 

Ela diz “Eu sou Lia” e o público se derrete. Puro magnetismo. Foto: TMF / Divulgação 

Áurea Martins. Foto: TMF / Divulgação

Orquestra Lunar. Foto: TMF / Divulgação

Elízio de Búzios. Foto: TMF / Divulgação

ABERTURA MUSICAL

O Janeiro de Grandes Espetáculos inaugurou sua programação com o show intitulado Orquestra Lunar e a Música Negra de Áurea Martins e Elízio de Búzios, proporcionando uma deliciosa experiência musical. A aclamada orquestra feminina do Rio de Janeiro, inspirada nas tradições das gafieiras cariocas, impressionou a plateia com uma ótima execução que combinava uma “cozinha” instrumental potente com um naipe de sopros envolvente. A versatilidade do grupo foi evidente na sua capacidade de navegar por diversas sonoridades, como Corta-jaca de Chiquinha Gonzaga e Te queria, de Elízio de Búzios, que ficou conhecida na voz de seu Jorge.

Entre os protagonistas desta noite mágica, os irmãos Áurea Martins, de 84 anos e Elízio de Búzios, de 82 trouxeram ao palco suas incomparáveis trajetórias artísticas. Áurea, com sua voz potente e interpretação forte, honrou o legado da música negra brasileira com e paixão. Junto a ela, Elízio de Búzios infundiu suas composições com um suingue único e contagiante, mostrando criatividade e emoção.

Apesar dos desafios técnicos enfrentados durante o espetáculo, como microfones baixos e problemas no sistema de som, a performance dos músicos manteve o espírito da noite elevado.

Lia de Itamaracá, em sua participação especial, chegou como  a grande estrela da noite. A cirandeira pernambucana, conhecida por seu intenso carisma e presença impressionante em cena, encantou o público. Com dificuldade de locomoção, cantou sentada em uma cadeira, mas exibindo sua magnificência de rainha musical. A dupla de irmãos e as instrumentistas da orquestra acolheram Lia com palavras carinhosas, criando uma aura de reverência e admiração. Mesmo nos momentos de suave descompasso entre a orquestra e a interpretação de Lia, um toque de magia permeava a apresentação, e suas canções clássicas, familiares de muitos anos, reavivaram a paixão da plateia.

No foyer do teatro, antes da apresentação, houve uma sessão de autógrafos do livro Pernalonga: uma Sinfonia Inacabada, onde o jornalista e escritor Márcio Bastos contou a história de um dos integrantes do grupo teatral Vivencial.

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Festival de artes da cena no
Recife, no megalomaníaco
Janeiro de Grandes Espetáculos

Vivencial original, nas fotos P&B de Ana Farache, o grupo que funcionou ativamente de 1974 a 1983 e continua a inspirar subjetividades e projetos artísticos; este Janeiro de Grandes Espetáculos é dedicado a ele. E a peça-homenagem Vivencial, Revivenciando, dirigida por Mísia Coutinho e Guilherme Coelho. Foto: Divulgação

O Janeiro de Grandes Espetáculos (JGE) é um acontecimento difícil de precisar. Configura-se, em sua 31ª edição de 2025, como um plurifacetado evento cultural que, ao mesmo tempo em que celebra a diversidade artística, revela significativas fragilidades em sua concepção curatorial. Com uma programação que se estende por 25 dias – de 9 de janeiro a 2 de fevereiro ocupando diversos teatros do Recife e apresentando mais de 90 espetáculos, o festival transita entre a potência e a superficialidade.

Há uma notável lacuna de um projeto curatorial capaz de estabelecer conexões entre as diversas expressões artísticas. O JGE funciona como um verdadeiro “caldeirão” cultural, onde produções com níveis absolutamente distintos de profundidade estética e política coexistem sem qualquer articulação crítica. Enquanto alguns espetáculos propõem enfáticas reflexões sobre a contemporaneidade, outros se limitam a uma expressão supletiva, sem provocar visível tensionamento ou questionamento.

Apesar dessas exiguidades, o evento mantém sua importância histórica como um dos mais longevos festivais de Pernambuco. Sua capacidade de agregar diferentes linguagens – teatro adulto e infantil, dança, performance, música, circo e cenas curtas, além de leituras dramatizadas – demonstra uma amplitude programática. Mesmo se configurando como um modelo de “quanto mais, melhor”.

Bem, vamos focar no que está posto.

Esse formato, com diversas linguagens artísticas, atende a diferentes públicos. Dos 93 espetáculos, 42 são de teatro adulto, 9 de teatro infantil, 20 de música, 19 de dança e 3 de circo, com uma ênfase notável em produções para o público adulto nesta edição. Artistas pernambucanos compõem a maior parte da programação, reafirmando o papel do festival como vitrine da produção local. O JGE abrange artistas de outros estados brasileiros e uma obra internacional de Portugal.

Esta edição do Janeiro de Grandes Espetáculos dedica-se ao grupo Vivencial, coletivo que completa 50 anos e representa uma das expressões significativas da contracultura pernambucana nos anos 1970 e 1980. O Vivencial emerge como uma das diversas iniciativas que confrontaram os padrões estéticos e políticos de sua época. Estudiosos têm analisado criticamente a trajetória da trupe, reconhecendo sua importância, sendo sempre prudente não mitificá-lo como única ou principal referência de resistência cultural no período. O Vivencial integra um mosaico de coletivos e artistas que desenvolveram práticas de enfrentamento e experimentação no cenário pernambucano.

A escolha de incluí-lo na programação apresenta-se como um convite à análise histórica, e essa reflexão exige um olhar crítico, distanciando-se radicalmente dos processos de romantização.

Em um momento de intensos debates sobre liberdade de expressão e representatividade, o legado do Vivencial pode ser compreendido como um entre muitos dispositivos de contestação artística que marcaram o período da ditadura militar e os movimentos de resistência cultural.

Espera-se que essa homenagem empolgue o exercício crítico de compreensão das estratégias de resistência estética e política desenvolvidas por diferentes grupos artísticos pernambucanos, problematizando memórias, silenciamentos e narrativas instituídas.

Elizio de Búzios e Áurea Martins e a Orquestra Lunar abrem a programação do JGE. Foto: Captura de tela

Lia de Itamaracá é a convidada especial da Orquestra Lunar. Foto: André Seiti / Divulgação

Almério apresenta show Nesse Exato Momento no JGE. Foto: Eric Gomes / Divulgação

Cantor e compositor Martins. Foto: Divulgação

ABERTURA E MUSICAIS

Promete ser em tom maior a abertura desta edição, neste 9 de janeiro, com um espetáculo musical Orquestra Lunar e a Música Negra de Áurea Martins e Elízio de Búzios, que celebra a riqueza e diversidade da música negra brasileira, colocando em destaque dois ícones muitas vezes subestimados em nossa cena cultural: os irmãos Áurea Martins e Elizio de Búzios. O show tem a participação especial de Lia de Itamaracá.

Áurea Martins, de 84 anos, vem com sua interpretação única, que mescla a força do samba com a sofisticação do jazz. Apesar de seu talento inquestionável, Áurea permaneceu por muito tempo como uma “joia escondida” da música brasileira, reconhecida principalmente nos círculos mais íntimos de músicos e aficionados.

Elizio de Búzios, também octogenário, é um compositor e intérprete que personifica o suingue carioca. Sua contribuição para a black music brasileira é significativa, tendo composto dezenas de canções que capturam a essência da cultura afro-brasileira urbana. Seu estilo de canto e performance é uma aula viva de ritmo e expressão corporal. Eles são acompanhados pela talentosa Orquestra Lunar (composta inteiramente por mulheres, da qual Áurea faz parte. No repertório, obras do próprio Elizio e mais músicas que celebram a brasilidade.

A participação de Lia de Itamaracá no espetáculo amplia ainda mais o alcance cultural da apresentação, trazendo a força da cultura pernambucana. Lia, cirandeira inconfundível, representa outro pilar fundamental da música negra brasileira, adicionando camadas de regionalismo e tradição ao show.

O filão musical do festival se estende além da noite de estreia, oferecendo uma variedade de estilos e artistas. PC Silva, conhecido por seu trabalho autoral e interpretações sensíveis, está entre os destaques. Almério, com seu som que mescla elementos regionais e contemporâneos, também integra o line-up. Martins, artista versátil, promete uma performance que explora diferentes facetas da música brasileira.

O grupo Estesia, com sua proposta de fusão de ritmos, deve trazer uma atmosfera única aos palcos do JGE. Geraldo Maia, veterano da música pernambucana, contribuirá com sua experiência e repertório rico. Igor de Carvalho e Tibério Azul chegam com outras experimentações.

Um momento aguardado é a celebração dos 30 anos de carreira do Afoxé Oxum Pandá, grupo que mantém viva a tradição dos afoxés em Pernambuco. Irah Caldeira apresentará um show dedicado exclusivamente a composições femininas, destacando o papel das mulheres na música brasileira.

Silvério Pessoa e Publius prestarão uma homenagem a Lô Borges e Beto Guedes, referências da música mineira e brasileira. Esta apresentação se propõe a ser uma viagem pelo cancioneiro do Clube da Esquina, reinterpretado sob a ótica de artistas pernambucanos.

A seleção musical do JGE propõe uma experiência sonora que vai do regional ao nacional, do tradicional ao contemporâneo.

 

TEATRO, TEATROS

Ceronha Pontes em Senhora dos Nossos Sonhos. Foto: Amaury Carvalho / Divulgação

Yerma Atemporal. Foto: Divulgação

Fabiana Pirro e João Guisande. Foto Hans von Manteuffel / Divulgação

Vanise Souza, e Célia Regina, em Um Minuto para Dizer que Te Amo. Foto: Divulgação

Ceronha Pontes estreia sua dramaturgia e atuação em Senhora dos Nossos Sonhos, um espetáculo que explora a vida e obra da psiquiatra Nise da Silveira. A peça mergulha na relação entre arte e saúde mental, destacando o trabalho revolucionário de Silveira no tratamento de pessoas com transtornos mentais no Brasil.

Uma releitura contemporânea da obra de García Lorca ganha vida em Yerma Atemporal, sob a direção de Simone Figueiredo e Paulo de Pontes. Esta montagem investiga o papel da mulher na sociedade atual, centrando-se na angustiante obsessão da protagonista em se tornar mãe.

Baseada no texto de Ronaldo Correia de Brito, a peça Noite convida o público a adentrar um casarão antigo transformado em museu, onde duas irmãs idosas estão confinadas. A obra explora temas como memória, família e a passagem do tempo.

O envelhecimento, a morte e a graça são temas centrais em Senhora, um espetáculo autoficcional que acompanha a jornada de um ator ensaiando uma peça com o objetivo de trazer sua família para o teatro. A narrativa se entrelaça com memórias relacionadas à avó do protagonista, que sofre de Alzheimer.

Já em Um Minuto para Dizer que Te Amo, dirigida por Rudimar Constâncio, quatro vidas se encaram no labirinto do Alzheimer. Pela música, memórias se fragmentam e se reconstroem, revelando os muitos rostos do amor em meio ao esquecimento. Um mapa íntimo de perda, afeto e resistência.

Fruto de uma colaboração entre Pernambuco e Salvador, Cúmplices – Transgressões de um Ricardo III traz Fabiana Pirro e João Guisande para o palco. A peça oferece uma perspectiva metateatral sobre o processo de criação artística, explorando os dilemas enfrentados por dois intérpretes ao trabalhar com o texto de Shakespeare.

Circo Science – do Mangue ao Picadeiro. Foto: Rogério Alves / Divulgação

Lau Veríssimo em ITAÊOTÁ , do Grupo Totem. Foto: Débora Oliveira

Mais que um espetáculo de dança, ITAÊOTÁ é um ritual de cura das feridas coloniais, onde seis performers traçam uma cartografia da alma, reacendendo a delicadeza de um tempo esquecido. Através de movimentos, sons e visualidades, ITAÊOTÁ faz um chamado à alegria genuína e à reconexão com a existência em sua forma mais orgânica e coletiva. A performance convida o espectador a experimentar passar por um portal onde o passado e o futuro se encontram, redesenhando as fronteiras entre corpo, natureza e memória.

O segmento do circo engloba três encenações. Uma delas é o ótimo espetáculo Circo Science – do Mangue ao Picadeiro, que celebra os 30 anos do Movimento Manguebeat e do álbum Da Lama aos Caos, através de números circenses, coreografias e músicas. Com isso, mergulha na essência de Chico Science, revelando as vozes, movimentos e identidades das periferias. É um manifesto de diversidade, superação e resistência cultural, onde corpos pretos, mulheres, gays e lésbicas se afirmam como uma potente trupe circense.

Quem está aí, monólogo de Shakespeare, com Thiago Lacerda. Foto: Divulgação

Sandra Possani em A mulher que queria ser Micheliny Verunschk. Foto: Vilma Carvalho / Divulgação

As produções nacionais incluem Quem Está Aí?, estrelada por Thiago Lacerda, que traz adaptações de Shakespeare, apresentando monólogos extraídos de Hamlet, Medida por Medida e Macbeth. Com direção de Ron Daniels, o espetáculo transforma a simplicidade do cenário – apenas uma mesa e uma cadeira – em uma entrada para uma viagem íntima pelos universos de traição, poder, amor e morte da obra shakespearena.

A Mulher que Queria ser Micheliny Verunschk, da Cia Stravaganza de Porto Alegre, é uma adaptação do romance homônimo de Wilson Freire. Protagonizada por Sandra Possani e dirigida por Adriane Mottola, a obra mergulha na história de uma mulher à margem, um “porto sem cais” que desafia sua própria condição. Micheliny emerge como metáfora da resistência feminina: uma alma aprisionada que resiste através da imaginação, da escrita e do desejo de reescrever sua própria narrativa. 

Outras obras nacionais incluem O Alienista – Casa de Loucos, de Maceió; Céu em Si, de Belo Horizonte; Esquecidos por Deus, de Caaporã, Paraíba.

Única produção internacional, Damas da Noite e uma Farsa de Elmano Sancho, de Portugal. Foto: Filipe Ferreira / Divulgação

Estrela Dinn faz Kassandra, entre a mítica profetisa grega e uma prostituta transexual contemporânea, no solo com texto de Sergio Blanco. Foto: Siano / Divulgação

MOSTRA VIVENCIAL

A Mostra Vivencial é o carro-chefe da homenagem do JGE ao grupo olindense e junta  espetáculos de diferentes regiões do Brasil e um de Portugal, que capturam e reinterpretam a essência transgressora que caracterizou o grupo em sua trajetória histórica.

Entre as peças está Kassandra. No entrelaçamento entre a mítica profetisa grega e uma prostituta transexual contemporânea, Sergio Blanco cria um solo performático que desmorona fronteiras entre mito e realidade. Enfiada num vestido de oncinha e saltos rosa pink, Kassandra narra sua Odisseia pessoal: um corpo-território que transita entre sexo, guerra e poder. Protagonizada por Estrela Dinn, com direção de Adriane Mottola, a performance dissolve os limites entre passado e presente, entre o trágico e o cômico. Em um inglês rudimentar de imigrante, Kassandra revela sua condição de exilada: estranha em seu próprio corpo, em todos os países.

Em Damas da Noite, de Portugal, Elmano Sancho mergulha na fronteira tênue entre realidade e ficção, revelando Cléopâtre – o filho não nascido, o duplo imaginário. Através do ambiente provocativo do transformismo, o espetáculo desconstrói binarismos de gênero, identidade e existência. Uma peça sobre a fluidez do ser, onde corpos se transformam, fronteiras se dissolvem e a identidade se revela como território móvel e infinito. Damas da Noite é um ritual de metamorfose, onde o artista confronta suas próprias expectativas de nascimento e existência. Uma viagem poética pelos territórios da identidade, onde cada máscara revela uma camada mais profunda do humano.

Estão também na Mostra Vivencial outros cinco espetáculos que desafiam convenções: Mainha é uma Resenha celebra a figura materna com humor nordestino, inspirada no trabalho do saudoso Paulo Gustavo; Vivencial, Revivenciando reconstitui a trajetória do grupo teatral pernambucano  homenageado; Querida Gina mergulha nas complexidades da experiência feminina através de uma metáfora terapêutica; Santo Genet e as Flores da Argélia explora margens sociais e identitárias inspirado na obra de Jean Genet; e Sha da Meia Noite propõe um chá cênico de confrontos de classe com fragmentos de Genet e MPB.

O lançamento do livro Pernalonga, uma Sinfonia Inacabada, do jornalista Márcio Bastos, adiciona uma camada documental à homenagem, oferecendo um olhar íntimo sobre a trajetória de um dos atores do grupo e, por extensão, sobre a efervescência cultural que o Vivencial representou. Esta obra literária serve como um importante registro histórico, preservando memórias e anedotas que poderiam, de outra forma, se perder com o tempo.

A homenagem a Guilherme Coelho, fundador do Vivencial, destaca-se como um reconhecimento à visão artística e à coragem que deram origem ao grupo. Este gesto honra um o indivíduo e se estende como reconhecimento de toda uma geração de artistas que ousaram desafiar as normas sociais e artísticas de seu tempo.

A temática geral do festival, centrada na liberdade de expressão, diversidade cultural e arte como instrumento revolucionário, alinha-se perfeitamente com o espírito do Vivencial.

Cida Pedrosa, Márcia Souto, Maria do Céu e Paula de Renor; quatro das dez personalidades homenageadas  do JGE. Foto: Divulgação

HOMENAGEADAS

Dez personalidades que contribuíram significativamente para a cultura pernambucana são homenageadas pelo 31º Janeiro de Grandes Espetáculos, abrangendo diversas áreas artísticas e de atuação social. Paula de Renor, atriz e produtora, é distinguida como representante das artes cênicas, tendo sido durante mais de 20 anos uma das realizadoras do Janeiro e atualmente é a produtora do festival Reside FIT-PE. Márcia Souto e André Campos são homenageados por sua atuação na política cultural, enquanto Bernard Peixoto é reconhecido por seu trabalho no Sistema Fecomércio Sesc/Senac Pernambuco, ressaltando a importância das parcerias institucionais no fomento à cultura.

Cida Pedrosa, vereadora, poeta, autora e militante cultural, é homenageada por sua atuação que une arte, política e ativismo social. O festival saúda Guilherme Coelho, fundador do grupo Vivencial; Mister Brynner, por sua atuação na arte circense; Nenéu Liberalquino, maestro da Banda Sinfônica do Recife, pela música; e o bailarino e professor Alexandre Macedo, pela dança. Completando a lista, Maria do Céu é homenageada como representante dos artistas e da causa LGBTQIAPN+, evidenciando as disputas e conquistas dos movimentos de diversidade.

CONSELHO E PRÊMIO

O festival Janeiro de Grandes Espetáculos (JGE) oferece uma vasta gama de produções artísticas que podem ser comparadas a um mercado persa cênico. Neste cenário, o espectador tem a liberdade de explorar e selecionar obras que se alinhem com seus gostos pessoais e interesses. Nesse contexto, desde 2019, o festival implementou um Conselho Consultivo para refinar a seleção das obras apresentadas.

Para a edição de 2025, o conselho contou com as contribuições de Simone Figueiredo, Álcio Soares e Genivaldo Fernandes. Complementando este trabalho, a Comissão de Seleção de Espetáculos, formada por Ana Nogueira, Jorge Féo, Silvério Pessoa, Valéria Barros e Paulo de Castro (produtor-geral do festival), atua sob a coordenação de Paulo de Pontes.

O 31º Janeiro de Grandes Espetáculos é uma realização da Apacepe (Associação dos Produtores de Artes Cênicas de Pernambuco), apresentado pela Prefeitura do Recife e pelo Governo do Estado. O evento conta com o apoio de diversas entidades, incluindo o Sesc, e patrocínio de Suape e Fundarpe. A produção geral está a cargo de Paulo de Castro, com suporte de várias empresas e instituições de mídia locais.

Uma marca do festival é o Prêmio JGE Copergás de Teatro, Dança, Circo e Música de Pernambuco, patrocinado pela Copergás. Esta premiação visa reconhecer e celebrar os talentos locais, oferecendo visibilidade e reconhecimento aos artistas. A cerimônia de premiação, agendada para 1º de fevereiro no Teatro de Santa Isabel, distribuirá 25 troféus em cinco categorias distintas: Teatro Adulto, Teatro Infantil, Dança, Circo e Música. Esta iniciativa busca reconhecer e potencializar a produção artística pernambucana em suas diversas manifestações.

 

P R O G R A M A Ç Ã O

TEATRO ADULTO:

Teatro de Santa Isabel:

16/01/2025 19h30 – Noite, Inteira R$60 Meia R$30, 1h30min
22/01/2025 20h – Rinocerontes, Inteira R$60 Meia R$30, 1h20min
29/01/2025 19h30 – Um Minuto pra Dizer que Te Amo, Inteira R$60 Meia R$30, 1h15min
31/01/2025 20h – Yerma Atemporal, Inteira R$60 Meia R$30, 1h30min

Teatro do Parque

10/01/2025 19h30 – Mainha é uma Resenha – A Peça!, Inteira R$60 Meia R$30, 2h

Teatro Apolo

17/01/2025 20h15 – Ao Paraíso, Inteira R$40 Meia R$20, 1h
30/01/2025 19h30 – Cárcere, Inteira R$40 Meia R$20, 1h30min
31/01/2025 20h – O Clube da Jovem Guarda, Inteira R$40 Meia R$20, 1h40min
02/02/2025 17h – Show de Variedades, Inteira R$60 Meia R$30, 4h

Teatro Hermilo Borba Filho

14/01/2025 19h – A Mulher que Queria ser Micheliny Verunschk, Inteira R$60 Meia R$30, 1h05min
15/01/2025 19h – A Mulher que Queria ser Micheliny Verunschk, Inteira R$60 Meia R$30, 1h05min
21/01/2025 19h30 – Mulheres de Nínive, Inteira R$60 Meia R$30, 1h
23/01/2025 19h – Salto, Inteira R$40 Meia R$20, 45min
25/01/2025 19h e 20h30 – O Alienista – Casa dos Loucos, Inteira R$60 Meia R$30, 1h
31/01/2025 19h – Se Eu Subir, Quem Me Derruba?, Inteira R$60 Meia R$30, 2h

Teatro Capiba

11/01/2025 19h – Senhora, Inteira R$40 Meia R$20, 1h
15/01/2025 19h – Senhora dos Nossos Sonhos, Inteira R$40 Meia R$20, 1h20min
16/01/2025 19h – Senhora dos Nossos Sonhos, Inteira R$40 Meia R$20, 1h20min
18/01/2025 19h – Na Bagagem Poesia, Inteira R$40 Meia R$20, 45min
23/01/2025 19h – Dom – O Santo da Utopia, Inteira R$40 Meia R$20, 70min
25/01/2025 19h – HRWJXN – Jogando com a Palhaçaria!, Inteira R$40 Meia R$20, 1h

Teatro Marco Camarotti

10/01/2025 20h – Cúmplices – Transgressões de um Ricardo III, Inteira R$60 Meia R$30, 1h15min
11/01/2025 20h – Cúmplices – Transgressões de um Ricardo III, Inteira R$60 Meia R$30, 1h15min
12/01/2025 18h – Cúmplices – Transgressões de um Ricardo III, Inteira R$60 Meia R$30, 1h15min
18/01/2025 17h – Contando Histórias, Inteira R$40 Meia R$20, 1h
22/01/2025 19h – Xirê, Inteira R$40 Meia R$20, 1h05min
23/01/2025 19h30 – Samsara Lições para o Fim do Mundo, Inteira R$40 Meia R$20, 65min
24/01/2025 19h – Esquecidos por Deus, Inteira R$60 Meia R$30, 1h
25/01/2025 19h30 – Céu em Si + Bate Papo com o Público, Gratuito, 1h
26/01/2025 18h – Entretanto Teatro – 25 Anos, Inteira R$40 Meia R$20, 50min

Teatro Barreto Jr.

24/01/2025 20h – Auto da Barca do Inferno, Inteira R$60 Meia R$30, 50min
26/01/2025 17h e 19h30 – Saudade, Meu Remédio é Cantar!, Inteira R$60 Meia R$30, 1h38min
29/01/2025 20h – Nós, Poemas em Pé, Inteira R$40 Meia R$20, 45min
30/01/2025 20h – A Divina & O Esplendor – Uma Farsa Forçada, Inteira R$40 Meia R$20, 1h30min
31/01/2025 20h – A Viola do Diabo, Inteira R$40 Meia R$20, 1h20min
02/02/2025 14h30, 17h e 19h30 – As Bruxas de Oz, Inteira R$80 Meia R$40, 1h40min

Sinagoga Kahal Zur Israel

18/01/2025 19h – Senhora de Engenho Entre a Cruz e a Torá, Inteira R$80 Meia R$40, 1h20min
19/01/2025 18h – Senhora de Engenho Entre a Cruz e a Torá, Inteira R$80 Meia R$40, 1h20min

TEATRO INFANTIL

Teatro de Santa Isabel:

19/01/2025 16h30 – O Reino Congelado – Inspirado em Frozen, Inteira R$100 Meia R$50, 1h
26/01/2025 16h30 – Os Saltimbancos, Inteira R$100 Meia R$50, 50min

Teatro do Parque

19/01/2025 17h – O Pequeno Príncipe, Inteira R$60 Meia R$30, 1h
26/01/2025 15h, 17h30 e 19h30 – A Bela e a Fera, Inteira R$100 Meia R$50, 1h30min

Teatro Apolo

12/01/2025 17h – O Dia em que a Morte Sambou, Inteira R$60 Meia R$30, 40min

Teatro Hermilo Borba Filho

11/01/2025 17h – Enrolados – A nova aventura de Rapunzel, Inteira R$100 Meia R$50, 1h
26/01/2025 16h30 – O Livro da Alegria, Inteira R$60 Meia R$30, 40min

Teatro Fernando Santa Cruz

19/01/2025 17h – Lua, Estrela e Baião, Inteira R$60 Meia R$30, 50min

Teatro Barreto Jr.

23/01/2025 16h30 – Aladdin – O Musical, Inteira R$100 Meia R$50, 1h20min

CIRCO 

Teatro Marco Camarotti

17/01/2025 20h – Em Busca de um Emprego, Inteira R$60 Meia R$30, 1h20min

Teatro Capiba

19/01/2025 17h – Dunga In Concert, Inteira R$40 Meia R$20, 50min

Teatro do Parque

22/01/2025 20h – Circo Science – Do Mangue ao Picadeiro, Inteira R$40 Meia R$20, 1h

MÚSICA

Teatro de Santa Isabel

09/01/2025 19h – Orquestra Lunar e a Música Negra de Áurea Martins e Elízio de Búzios, Inteira R$60 Meia R$30, 50min
10/01/2025 19h – Orquestra Lunar e a Música Negra de Áurea Martins e Elízio de Búzios, Inteira R$60 Meia R$30, 50min
15/01/2025 20h – Irah Caldeira Apresenta: Mulheres Compositoras do Nordeste, Inteira R$60 Meia R$30, 1h30min
02/02/2025 16h – “O Concerto” com o Quarteto Encore e Betto do Bandolim (Salão Nobre), Inteira R$120 Meia R$60, 1h

Teatro do Parque

12/01/2025 19h – Afoxé Oxum Pandá 30 Anos – A Era de Ouro Chegou!, Inteira R$40 Meia R$20, 1h20min
17/01/2025 20h – Estesia, Inteira R$60 Meia R$30, 1h20min
18/01/2025 20h – Martins – Show Acústico, Inteira R$80 Meia R$40, 1h15min
23/01/2025 19h30 – Som da Terra – 50 Anos Dourados, Inteira R$60 Meia R$30, 2h
24/01/2025 20h – Almério – Nesse Exato Momento, Inteira R$80 Meia R$40, 1h15min
28/01/2025 20h – Tributo Armorial Camerata Pernambucana, Inteira R$40 Meia R$20, 50min

Teatro Apolo

11/01/2025 20h – A Vida Pede Mais Abraço que Razão, Inteira R$80 Meia R$40, 1h
19/01/2025 16h e 19h – Elas Cantam Reginaldo Rossi, Inteira R$100 Meia R$50, 1h30min
22/01/2025 19h – Rock Bossa, Inteira R$40 Meia R$20, 1h15min
23/01/2025 19h – Rock Bossa, Inteira R$40 Meia R$20, 1h15min
28/01/2025 20h – O Melhor Lugar da Praia, Inteira R$60 Meia R$30, 1h20min

Teatro Hermilo Borba Filho

10/01/2025 19h – Nuvem Cigana: Silvério Pessoa & Publius Canta Lô Borges e Beto Guedes, Inteira R$50 Meia R$25, 1h15min
12/01/2025 17h – Me Dê Notícias do Universo, Inteira R$50 Meia R$25, 1h10min
29/01/2025 19h – Cantiga à Pedra do Reino, Inteira R$60 Meia R$30, 60min
30/01/2025 20h – O Tempo Atravessa o Homem, Inteira R$60 Meia R$30, 1h15min

Teatro Marco Camarotti

15/01/2025 19h30 – O Velho em Con(s)erto, Inteira R$30 Meia R$15, 50min
16/01/2025 19h30 – O Velho em Con(s)erto, Inteira R$30 Meia R$15, 50min

Teatro Fernando Santa Cruz

11/01/2025 19h30 – Ruan Trajano: Celebrando Dois Gilbertos e Suas Canções, Inteira R$50 Meia R$25, 1h
16/01/2025 20h – Forróck, Inteira R$40 Meia R$20, 1h
25/01/2025 20h – Infinito Azul, Gratuito, 1h15min

Teatro Arraial Ariano Suassuna

22/01/2025 10h e 15h – Cantiga à Pedra do Reino, Gratuito para estudantes, 60min

DANÇA

Teatro de Santa Isabel

12/01/2025 17h e 20h – Negrô, Inteira R$60 Meia R$30, 45min
14/01/2025 20h – Don Quixote, Inteira R$40 Meia R$20, 70min
18/01/2025 20h30 – Musical Capiba Pelas Ruas Eu Vou, Inteira R$80 Meia R$40, 1h20min
21/01/2025 19h – Cabras de Lampião – 30 Anos de Xaxado, Inteira R$60 Meia R$30, 1h
30/01/2025 19h30 – O Mundo na Ponta dos Pés, Inteira R$60 Meia R$30, 2h
02/02/2025 18h – IV Festival Pole Dance de Pernambuco (Salão Nobre), Inteira R$80 Meia R$40, 2h30min

Teatro do Parque

14/01/2025 20h – Labor, Inteira R$60 Meia R$30, 50min
15/01/2025 19h – Gala Floresta Encantada, Inteira R$50 Meia R$25, 1h40min
29/01/2025 19h – Itã Kijiba – Sabedoria Ancestral, Inteira R$40 Meia R$20, 1h10min

Teatro Apolo

16/01/2025 19h – Mata Sagrada, Inteira R$60 Meia R$30, 45min
25/01/2025 15h e 19h – Festival Florescer de Danças Árabes e Fusões, Inteira R$40 Meia R$20, 2h30min
29/01/2025 19h – Aquarela, Inteira R$70 Meia R$35, 45min

Teatro Hermilo Borba Filho

24/01/2025 20h – Itaêotá, Inteira R$60 Meia R$30, 1h

Teatro Marco Camarotti

31/01/2025 20h – Marim Brincante, Inteira R$60 Meia R$30, 50min

Teatro Fernando Santa Cruz

15/01/2025 20h – Obirin – Kunhã: Dança Inflamada, Gratuito, 30min

Teatro Arraial Ariano Suassuna

17/01/2025 20h – Obirin-Kunhã: Dança Inflamada, Gratuito, 30min

Campo da UR1 – Ibura

25/01/2025 16h – Campo Minado, Gratuito, 60min

MOSTRA VIVENCIAL

Teatro Apolo

10/01/2025 20h – Vivencial, Revivenciando, Inteira R$50 Meia R$25, 45min
15/01/2024 20h30 – Querida Gina 
24/01/2025 19h – Sha da Meia Noite + exibição do curta: Era Uma Vez Diversiones, Inteira R$60 Meia R$30, 1h

Teatro Hermilo Borba Filho

16/01/2025 19h – Kassandra, Inteira R$40 Meia R$20, 1h05min
17/01/2025 19h – Kassandra, Inteira R$40 Meia R$20, 1h05min
18/01/2025 20h – Santo Genet e as Flores da Argélia, Inteira R$60 Meia R$30, 1h30min
19/01/2025 18h – Santo Genet e as Flores da Argélia, Inteira R$60 Meia R$30, 1h30min

Teatro de Santa Isabel

24/01/2025 20h – Damas da Noite Uma Farsa de Elmano Sancho, Inteira R$80 Meia R$40, 1h
25/01/2025 20h – Damas da Noite Uma Farsa de Elmano Sancho, Inteira R$80 Meia R$40, 1h

Teatro do Parque

10/01/2025 19h30 – Mainha é uma Resenha – A Peça 

MOSTRA JANEIRO DE CENAS CURTAS

Teatro Barreto Jr.

18/01/2025 a partir das 18h – Mostra Janeiro de Cenas Curtas, R$20 + 1kg de alimento não perecível
19/01/2025 a partir das 17h – Mostra Janeiro de Cenas Curtas, R$20 + 1kg de alimento não perecível

OUTROS EVENTOS

Teatro de Santa Isabel

09/01/2025 18h – Abertura – Apresentação do Livro: Pernalonga Uma Sinfonia Inacabada, Gratuito, 1h
10/01/2025 16h – Ensaio Aberto: Orquestra Lunar e a Música Negra de Áurea Martins e Elízio de Búzios, Gratuito, 50min
29/01/2025 16h – Leitura Dramatizada – Ensaio para Velhos Pretos, Inteira R$60 Meia R$30, 1h

Teatro de Santa Isabel (Salão Nobre)

25/01/2025 16h – Leitura Dramatizada – Josephina, Inteira R$40 Meia R$20, 45min

Teatro Marco Camarotti

14/01/2025 19h – Auto da Compadecida – Uma Farsa Modernesca, Gratuito + 1kg de alimento, 1h40min

Teatro Capiba

21/01/2025 19h – Leitura Dramatizada – Condenadas à Vida, Inteira R$40 Meia R$20, 50min
26/01/2025 18h – Leitura Dramatizada – Frei Caneca – Um País Chamado Pernambuco, Inteira R$40 Meia R$20

 

 

 

 

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A brincadeira mais querida do Natal
Crítica do Baile do Menino Deus

Foto: Hans von Manteuffel

Os Mateus Arilson Lopes e Sóstenes Vidal com o grupo de bailarinos. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

Foto: Hans von Manteuffel

Praça do Marco Zero no Recife, elenco e público. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

O Baile do Menino Deus – uma brincadeira de Natal é um dos mais emblemáticos eventos natalinos do Brasil, quiçá do mundo. Apresentado anualmente há 21 dezembros na Praça do Marco Zero, no centro do Recife, ele atrai milhares de espectadores em busca de uma experiência cultural singular. Escrito por Ronaldo Correia de Brito (também diretor da peça) e Assis Lima e com músicas de Antônio Madureira, esse auto de Natal habilmente entrelaça a narrativa universal do nascimento de Jesus com elementos da cultura popular nordestina. O resultado é irresistível. Então eu digo, o Baile do Menino Deus salva o Natal de muita gente.

Além de oferecer um refúgio coletivo ao calor intenso, com a brisa do mar à beira do Capibaribe, essa obra revitaliza o espírito comunitário. Transformando o espaço público em um palco potente, o espetáculo toca corações e mentes de maneira particular. Ele reúne na plateia pessoas de várias classes sociais, reafirmando a rua como um espaço de pertencimento e expressão popular ao ar livre.

Em um mundo onde o consumismo frequentemente ofusca o verdadeiro espírito do Natal, o espetáculo propõe uma vivência carregada da essência da data: o nascimento de Jesus, simbolizando esperança, renovação e amor. Ao se concentrar nesses valores, o Baile convida o público a refletir sobre o que realmente importa nesta época do ano.

Para tantos, o espetáculo é um elo de conexão com suas raízes e identidade cultural. Ao incorporar elementos das manifestações populares do Nordeste, como o maracatu, o frevo, o cavalo-marinho, o bumba meu boi, a ciranda, o pastoril, o coco, e outros, o Baile fortalece o senso de pertencimento e orgulho de territoridade. Ele salva o Natal ao reafirmar a riqueza e a diversidade da cultura brasileira, em um ato de resistência contra a homogeneização cultural.

Diante de tantos desafios e incertezas, o Baile do Menino Deus oferece uma alegria do presente e esperança renovada. A cada ano, ao atualizar suas referências e adaptar sua narrativa, a encenação reforça a ideia de que, apesar das adversidades, há horizonte. E inspira cada espectador a maravilhar-se com a vida, com cada nascimento.

Pego esse verbo, maravilhar-se para acompanhar essa montagem.

Foto: Hans von Manteuffel

José e Maria, ao fundo, na festa de casamento. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

Como contar para uma pessoa que não conhece as tradições populares do Nordeste, nunca viu um bumba meu boi, um cavalo-marinho ou um reisado, o que é aquela lindeza do Baile do Menino Deus na Praça do Marco Zero? Seja uma francesa ou uma paulistana, como explicar que magia é essa? Ou mesmo para um recifense que ainda não foi ao Baile? Como traduzir em palavras o que se passa naquele palco imenso, com suas casinhas, com as passagens de tantos personagens, com tantas cenas simultâneas, tanta dança e canto, música e alegria?

A estrutura da peça é baseada no reisado e na lapinha do Cariri, manifestações culturais enraizadas no sertão do Ceará. Estas tradições, que envolvem a encenação do nascimento de Jesus, a adoração dos Reis Magos e a montagem de presépios, que encantaram Ronaldo Correia de Brito em sua infância, serviram como a principal fonte de inspiração para a criação deste trabalho, que agrega elementos de outros brinquedos do Nordeste.

O Baile é para saudar o Menino que nasceu. Os Mateus – um mais lírico, outro mais cômico, assumem um papel central como condutores da brincadeira e são acompanhados por um coro infantil –  Agatha Carille, Alice Vitória de Souza, Ayla Kristie, Ana Kostic, Anna Jardim, Heitor Miranda, João Guilherme, Karina Paes, Luan Rian, Madiba Florentino, Maria Clara Araújo, Rodrigo Travassos- que confere leveza na missão de avançar na história. Juntos, eles buscam abrir a porta fechada que “esconde” a Sagrada Família. Nesta busca, eles convocam um mundaréu de seres, tanto reais quanto fantásticos, cada um contribuindo de maneira única para o desenrolar da trama.

Foto: Hans von Manteuffel

Coro infantil. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

Essa celebração da cultura brasileira é uma produção grandiosa. Realizada pela Relicário Produções sob a liderança de Carla Valença, a obra reúne um impressionante contingente de cerca de 300 profissionais, dos quais 70 são artistas, entre performers e criadores. Os realizadores afirmam que a encenação é assistida anualmente por mais de 70 mil pessoas.

A sacada genial deste espetáculo, concebido em 1981 (texto original e letras das canções de Ronaldo Correia de Brito e Assis Lima, e música de Antônio Madureira), foi eleger o Brasil como cenário e imaginário central. Os criadores devem ter visto pouco sentido em adotar elementos como neve, típicos de representações natalinas tradicionais de outros países, no Nordeste brasileiro. Em uma decisão deliberada e inovadora, os criadores excluíram figuras como Papai Noel com seus trenós, optando por valorizar as expressões dos três principais povos formadores da identidade brasileira: indígenas, negros e ibéricos. 

Desde sua estreia, – em 1983 , no  Teatro Valdemar de Oliveira lotado -, o Baile do Menino Deus passou por diversas fases e locais de apresentação. Mas foi a partir de 2004, com a mudança para o Marco Zero do Recife que o espetáculo ganhou a magnitude e a visibilidade que possui hoje. Neste ano de 2024 o Baile do Menino Deus foi reconhecido como Patrimônio Cultural Imaterial do Recife, título concedido pela Câmara Municipal. A encenação ocorre todos os anos nos dias 23, 24 e 25 de dezembro.

Lia de Itamaracá pela primeira no palco do Baile. Na foto, ao lado de Lucas dos Prazeres. Foto: Hans von Manteuffel

Maestros Forró e Spok. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

Uma constelação de talentos garante o primor artístico do Baile, que inclui os atores Arilson Lopes e Sóstenes Vidal como os Mateus, com Paulo de Pontes e Daniel Barros como seus substitutos. Arilson e Sóstenes brilharam no primeiro e terceiro dias de apresentação, enquanto Paulo e Daniel assumiram os papéis com maestria no segundo dia, mantendo a energia e o carisma característicos dos personagens.

Os músicos estão posicionados no palco, integrando a música de forma mais direta à narrativa. A equipe musical, em plena vista do público, é composta pelos instrumentistas Karol Maciel no acordeom, João Pimenta no contrabaixo, Laila Campelo na viola, e Aristide Rosa alternando entre violão e viola nordestina formam o núcleo harmônico. A percussão, essencial para o ritmo pulsante do espetáculo, fica a cargo de Emerson Coelho, Jerimum de Olinda e José Emerson. Alexandre Rodrigues (Copinha) e Henrique Albino nos sopros adicionam camadas melódicas, enquanto o próprio Rafael Marques alterna entre bandolim e cavaco, dirigindo o conjunto do palco. Esta disposição cênica permite intercâmbios interessantes  entre músicos e atores. Um exemplo é a interação cômica entre um dos Mateus e um músico careca.

Foto: Hans von Manteuffel

Coreografias assinadas por Sandra Rino. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

A coreógrafa Sandra Rino integra diferentes estilos de dança, do tradicional ao contemporâneo, criando uma movimentação visualmente fascinante. O elenco de dança, composto por Beatriz Gondra, Fernando Gomes, Gabi Carvalho, Isabela Loepert, Jonas Alves, José Valdomiro, Marcela Aragão, Marina Vidal, Pinho Fidelis e Tiago Vieira, ocupa o palco com graça e energia.

Este ano, a estreia de Lia de Itamaracá – nossa rainha cirandeira –  brilhou com intensidade singular (antes ela tinha atuado no no segundo filme do Baile). Sua presença magnética tocou fortemente a plateia, transformando sua participação em um momento verdadeiramente histórico para o Baile. Ao lado de Lucas dos Prazeres, Lia interpretou a música da burrinha Zabilin. O figurino de Lia, elaborado com as sete saias mencionadas na própria letra da música, acrescentou uma camada visual à sua performance.

As participações dos maestros de frevo Spok e Forró contribuíram para elevar o calibre musical desta edição. Spok, reconhecido por sua maestria instrumental, também apresentou suas habilidades vocais, na canção Romã, Romã. Ele confessou que sempre quis participar desse espetáculo. O Baile tem essa coisa desejante. Paralelamente, Forró, fiel à sua essência, impregnou o espetáculo com generosas doses de irreverência, adicionando um toque de humor e espontaneidade que se harmonizou perfeitamente com o espírito do Baile.

A riqueza musical do Baile foi ainda mais evidenciada pela atuação de diversos solistas. Silvério Pessoa, Isadora Melo, Surama Ramos, Carlos Filho, Sarah Leandro, Sue Ramos, Cláudio Rabeca, Elon Damaceno e Ricardo Pessoa criaram momentos de puro deleite sonoro. A jovem Júlia Souza, como solista adolescente, adiciona uma camada de frescor à produção.

Surama Ramos, preparadora vocal e solista. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

Foto: Hans von Manteuffel

Laís Senna, a Maria do Baile do Menino Deus. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

Nos papéis de Maria e José, temos a atriz, cantora e compositora Laís Senna e o poeta, brincante e sanfoneiro Lucas Dan.

Laís Senna, em sua segunda participação no espetáculo desde sua estreia em 2023, demonstra um crescimento significativo em sua performance. Sua presença cênica  mostra-se mais confiante e expressiva. Como atriz e cantora, ela consegue transmitir a complexidade emocional de Maria com delicadeza. Sua interpretação da música Acalanto é particularmente comovente, revelando suas habilidades vocais, como também sua capacidade de incorporar a essência maternal de sua personagem.

Por outro lado, Lucas Dan traz uma ternura ao papel de José. Sua formação como poeta, brincante e sanfoneiro enriquece sua interpretação. A cumplicidade e o entrosamento entre os atores são evidentes em cada interação, cada olhar trocado, cada gesto sutil. Esta sintonia expande a qualidade da atuação, reforça a credibilidade da narrativa, e envolve emocionalmente o público com a jornada do casal.

A sequência do casamento entre José e Maria exibe o casal sob uma luz mais romântica e humana. Ao fazê-lo, a produção consegue um equilíbrio delicado entre o sagrado e o secular, permitindo que o público se conecte com José e Maria não apenas como figuras divinas, mas como um casal enfrentando desafios e emoções muito humanos.

Hip hop do Okado do Canal e seu grupo PE Original Style. Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

O Baile do Menino Deus, embora profundamente enraizado na cultura nordestina e comprometido com a preservação de suas tradições, não se fecha para o mundo. Desde o ano passado, e com maior amplitude neste ano, a inclusão de bailarinos de breakdance, componentes centrais do movimento cultural do hip hop, trouxe um impacto visual e cultural significativo ao espetáculo, com Okado do Canal, nome artístico do multiartista Ellan Barreto, e seu grupo PE Original Style.

A integração do hip hop adiciona dinamismo ao espetáculo e traça uma ponte entre gerações. Os passos de break da Favela do Canal, no bairro do Arruda, trazem uma autêntica representatividade da periferia ao Baile.

Nos bastidores, o estafe de profissionais dedicados assegura a excelência em cada aspecto da produção. Quiercles Santana lidera a preparação de elenco e atua como assistente de direção; e Célia Oliveira faz a preparação do elenco infantil. Sandra Rino é responsável pela coreografia, enquanto Marcondes Lima e Sephora Silva comandam a direção de arte e cenografia. A iluminação cênica fica a cargo de Jathyles Miranda, e Tomás Brandão assume a direção técnica. Juntos, esses artistas e suas equipes contribuem para criar uma experiência visual e sensorial ampla.

Cláudio Rabeca e Lucas D’Ann  na abertura do espetáculo. Foto: Foto: Hans von Manteuffel / Divulgação

Silvério Pessoa, o Boi e Carlos Filho, observados pelos Mateus, Maria e José. Foto: Hans von Manteuffel

O Baile do Menino Deus inicia-se com um arranjo nordestino da festiva Hevenu Shalom Aleichem, tradicional canção folclórica hebraica cujo significado é “Trouxemos paz sobre vocês”. A parceria entre Cláudio Rabeca e Lucas D’Ann cria uma atmosfera de celebração, que segue até o término do espetáculo.

Uma série de cenas memoráveis trouxe esse Baile do Menino Deus de 2024. O dueto entre Carlos Filho e Silvério Pessoa, interpretando o Boi, é um ponto alto, complementado pela formosura da nova versão do boi confeccionada para esta edição. O solo de saxofone do maestro Spok, acompanhado por um passista lírico executando um frevo, cria um momento de pura magia cênica. A chegada majestosa dos Reis Magos e a risada contagiante do Mateus adicionam doses de encantamento à montagem, além de lances já citados e outros fragmentos que me abraçarão depois. Cada espectador tem a liberdade de eleger suas cenas prediletas dentre esse rico mosaico de momentos. Ao final, o público já anseia pela próxima edição em 2025, renovando a esperança que o espetáculo tão engenhosamente cultiva.

O Satisfeita, Yolanda? faz parte do projeto arquipélago de fomento à crítica,  apoiado pela produtora Corpo Rastreado, junto às seguintes casas : CENA ABERTA, Guia OFF, Farofa Crítica, Horizonte da Cena, Ruína Acesa e Tudo menos uma crítica

 

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Sinfonia de silêncios e palavras explosivas
Crítica de Apenas o Fim do Mundo

Bruno Parmera (Suzanne) e Pedro Wagner (Louis), em Apenas o fim do mundo. Foto: Ivana Moura

A proximidade do público cria uma intimidade desconfortável. Foto: Ivana Moura

Durante infindáveis cinco minutos (ou foram cinco horas ou cinco anos), um grupo de desconhecidos (ou quase) e eu, aguardamos pela chegada de Louis (ou Luiz, como queiram), o filho que partiu 12 ou 14 anos antes, e muito pouco ou quase nada enviou de notícias e afetos para a família. Essa espera pensativa aciona as memórias de cada pessoa, mas também de uma cidade, o Recife. Mesmo que o texto original seja francês, o corpo do Magiluth é recifense e isso transpira, ainda mais quando o site specific, o lugar da encenação, é o Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (Mamam), que fica na Rua da Aurora, de frente para o Rio Capibaribe, tendo como fundo a Rua do Sol. As portas abertas, os portões de ferro fechados, mas por onde vemos os carros passarem, ônibus e motos também deixam seus rastros nesse quadro. O registro acústico de fora contrasta com o silêncio cúmplice dos que velam. Ouvimos o fluxo do Capibaribe e sentimos a dramaturgia sonora inicial de uma cidade que quase se esquece do seu centro à noite, em contraste com a expectativa de uma plateia pela personagem, que vem anunciar sua morte próxima.

 A volta de Louis não segue o script do filho pródigo bíblico; talvez convoque outro mito, de Caim e Abel, em que as disputas e ciúmes ativam mágoas antigas. Antoine, o irmão do meio, que permaneceu “em casa”, não suporta imaginar a vida vibrante de Louis mundo afora, tão diferente da sua própria. Esse retorno desavisado acende sentimentos de ofensa, de inveja, algo aquebrantado, intensificando o conflito doméstico. Não há celebração nem abraços calorosos na chegada; vinga a mudez dos segredos de emoções íntimas e as palavras que quando surgem são explosiva ou devastadoras.

O francês Jean-Luc Lagarce escreveu Apenas o fim do mundo – uma obra de sutilezas e que verticaliza a pulsação humana – em 1990, período em que já estava ciente de seu diagnóstico de AIDS, uma condição que, na época, era praticamente uma sentença de morte. Ele continuou a refinar o texto até 1995, ano de sua morte aos 38 anos. Sua peça proporciona uma delicada e impiedosa reflexão sobre a finitude, algo inexorável, e joga desde o seu título (o desaparecimento de alguém não é o fim do mundo) com as ironias dessa experiência que é viver.

Almoço ou jantar em família. Foto Ivana Moura

A musicalidade e o ritmo singular do original francês são alimentados na tradução sensível de Giovana Soar, que articula em português as hesitações e repetições, as pausas e frases inacabadas, bem como o embaraço desses titubeios. Essa tradução captura a tempestade de emoções reprimidas e os rancores abafados, sustentados por anos de distância, criando assim uma verdadeira partitura verbal.

A direção de Giovana Soar e Luiz Fernando Marques (Lubi) transforma o texto desafiador de Lagarce em uma experiência teatral imersiva e sensorial que dura aproximadamente duas horas e meia. Como teatro site-specific, a dupla cria um labirinto emocional nos espaços apresentados que equivale à jornada interna das personagens.

No Mamam, o público – limitado a cerca de 60 pessoas por sessão – é convidado a seguir os atores por diferentes ambientes do museu, ajustado para a peça pela direção de arte de Guilherme Luigi e Lubi. A cada nova cena, somos confrontadas com outra faceta do drama familiar. Nessa cenografia dinâmica e reativa, objetos são desarrumados no decorrer da encenação, mesas se partem durante discussões acaloradas, criando um ambiente caótico que reflete o tumulto interno dessas figuras. 

A proximidade do público, nesse contexto, é uma escolha deliberada da direção. Essa estratégia visa criar uma intimidade desconfortável que espelha e intensifica a paleta de sentimentos de abandono e desemparo que cada personagem carrega. Ao reduzir a distância física, a produção busca envolver os espectadores de maneira mais intensa, permitindo que eles experimentem as emoções complexas e muitas vezes dolorosas que permeiam a narrativa. Essa proximidade favorece uma conexão emocional mais intensa, na qual cada gesto, expressão facial e nuance vocal dos atores são amplificados.

A iluminação apresenta momentos que oscilam entre tons amarelo-sépia, evocativos de lembranças empoeiradas, e azuis etéreos, que sugerem uma realidade quase onírica. A trilha sonora aprofunda o rasgo melancólico, com uma suspensão desse clima na performance rock da banda que se instala no meio da sala.

A banda de rock. Foto: Ivana Moura

Tive a oportunidade de assistir a esta obra teatral quatro vezes: duas no SESC Avenida Paulista, onde estreou em 2019, uma no Mamam no mesmo ano, e agora novamente em 2024, na temporada comemorativa. É gratificante observar o amadurecimento do Magiluth, pois, em termos artísticos, parece ser um processo sempre em construção. Com 20 anos de uma trajetória inspiradora, o grupo reafirma seu compromisso com a arte. Esta peça, tristemente bela, me faz pensar e sentir mais a cada sessão.

A discussão antes da despedida. Foto: Ivana Moura

Embora o texto de Lagarce tenha sido escrito no contexto da “epidemia do HIV/AIDS” no mundo, dos anos 1990, sua montagem no Brasil em 2019 pelo Magiluth (e sua continuação em 2024) ganha outras camadas de sentido no contexto sociopolítico atual. A menção à extinção do departamento de AIDS do Ministério da Saúde pelo governo Bolsonaro, citada no início do espetáculo, estabelece uma ponte entre o drama pessoal de Louis e questões mais amplas de saúde pública e política. Esta conexão sublinha a relevância contínua da obra de Lagarce e a habilidade do Grupo Magiluth em fazer pulsar o político no teatro.

 Catherine (Giordano Castro), encarada por Antoine (Mario Sergio), observado por Louis. Foto: Ivana Moura

Apenas o fim do mundo é uma peça que, perturbadoramente, fala de amor, de forma brutal, desenterrando o que ficou escondido, as recordações, mágoas, ressentimentos e culpas. É uma peça densa e triste, uma beleza melancólica que me toca profundamente.

A vivacidade do jogo físico, característica marcante do grupo, é transposta para o jogo de palavras. O percurso, o deslocamento e a apropriação dos ambientes do Mamam impõem sensações únicas. A conexão com o público está intimamente ligada à experiência de ocupar esses ambientes, potencializada pelo incômodo e desconforto do próprio deslocamento. A visão é fragmentada, variando conforme o ponto de observação.

Essa fragmentação do olhar da plateia projeta as perspectivas diferenciadas de cada personagem, motivadas pela partida de Louis. Assim como o público percebe a cena de maneira parcial, dependendo de sua localização, cada personagem também possui uma visão limitada e subjetiva dos eventos, influenciada por suas emoções e experiências pessoais.

Pedro Wagner no papel de Louis. Foto: Ivana Moura

Em Apenas o fim do mundo, o Grupo Magiluth cria um ensemble afinado. Pedro Wagner, no papel de Louis, entrega uma performance de contenção admirável. Há uma gravidade maior na maneira como Pedro Wagner mastiga aquelas palavras em silêncio, para depois cuspi-las. Sua atuação possui uma densidade mais intensa do que em 2019, quando a peça estreou. Naquele ano, estávamos todas assustadas com o pandemônio e sua gangue, que, alguns anos depois, começa a ser desmascarado. A eloquência de Louis é carregada pelo silêncio que pesa fisicamente sobre todos os presentes.

Interpretando a Mãe, Erivaldo Oliveira desafia as convenções de gênero com uma atuação que transmite fragilidade e empoderamento da matriarca. A personagem, única sem nome, conhece profundamente cada um de seus filhos. Sua tentativa de promover a harmonia entre eles é evidente, assim como seu esforço para garantir seu lugar na memória familiar, relembrando os domingos de verões passados nas conversas durante as refeições. Em uma cena delicada, ela explica a Louis que seus irmãos desejam falar e conversar, destacando a justeza de cada um que permaneceu e a necessidade de serem encorajados. O ator navega habilmente entre a aflição e o humor.

Suzanne, a irmã mais nova, é vivida por Bruno Parmera, que a interpreta com uma energia nervosa que beira o frenético. A prosódia do ator traduz a urgência da personagem em conhecer o mundo, na esperança de um dia poder explorá-lo como Louis fez anos antes, e também em expressar sua própria identidade. Seus movimentos são ágeis e entrecortados, refletindo essa inquietação interna. Quando Suzanne encontra o irmão mais velho, ela fala incessantemente, confessando que esse comportamento não é habitual. Essa dinâmica indica tanto sua admiração por Louis quanto seu desejo de se afirmar em um mundo que ainda está descobrindo.

Assumindo o personagem de Antoine, o irmão do meio, Mario Sergio Cabral entrega uma atuação impressionante, um verdadeiro tour de force, onde projeta suas emoções como um vulcão prestes a entrar em erupção. Descrito pela Mãe como um homem de pouca imaginação, Antoine surpreende ao revelar gradualmente seus sentimentos em relação ao irmão. É desconcertante e ao mesmo tempo envolvente observar como ele, com sua rudeza, fala de amor de maneira tão crua e sincera, tornando suas emoções quase palpáveis. Quando Antoine se permite chorar, o público inevitavelmente se comove, derretendo-se diante da vulnerabilidade que ele expõe.

No papel de Catherine, a cunhada, Giordano Castro, fornece uma perspectiva externa vital para a dinâmica familiar. Entre o riso e o escárnio, e sem a memória da infância por não ser parte integrante daquele núcleo desde sempre, o ator investe em pequenos gestos e sutis alterações vocais para expor verdades ditas a meia-voz, revelando as nuances das intimidades daquela família. Casada com Antoine, Catherine navega entre a vergonha dos pequenos escândalos, as explosões temperamentais do marido e a perturbadora presença de Louis, o cunhado cuja chegada abalou o tênue equilíbrio parental. Em meio a esse tumulto, ela se esforça para proteger Antoine, enquanto sugere que guarda cuidadosamente seus próprios segredos.

Mas nessa peça de tantos desafios há sobretudo um domínio impressionante da técnica. Da técnica interpretativa em que os atores, em alguns momentos, saem de suas personagens para cuidar da artesania dos bastidores, à medida que a casa vai se revelando e se distorcendo ao longo do espaço. Este espetáculo exige um rigoroso controle na administração da sequência das cenas. E o maestro dessa operação é o ator Lucas Torres, que atua como contrarregra, garantindo que toda a engrenagem funcione perfeitamente. Há uma camada metateatral, com Lucas Torres dando instruções no início da sessão, percorrendo todas as cenas e aparecendo como o baterista da banda na sala de jantar. Todo o elenco permanece atento ao andamento da encenação e aos seus detalhes, frequentemente oferecendo orientações à equipe de apoio.

A peça se desenrola como uma dança intricada em torno de um vazio central, com cada personagem orbitando em torno da verdade que Louis veio compartilhar, mas que nunca consegue expressar plenamente. Os movimentos se transformam em uma coreografia elaborada de aproximações e afastamentos, espelhando as tentativas frustradas de conexão entre eles. Não há redenção. Com Apenas o fim do mundo, o Magiluth nos incita a ampliar nossas perspectivas de afeto e a ter cuidado com os segredos e com as verdades que criamos.

Mãe conversa com o filho mais velho. Foto: Ivana Moura

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a de Pollyanna Diniz Hello stranger
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Apenas o fim do mundo
Ficha técnica:
Direção: Giovana Soar e Luiz Fernando Marques Lubi
Assistente de direção: Lucas Torres
Dramaturgia: Jean-Luc Lagarce
Tradução: Giovana Soar
Atores: Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Mário Sergio Cabral e Pedro Wagner
Técnico: Lucas Torres
Desenho de luz: Grupo Magiluth
Direção de arte: Guilherme Luigi e Luiz Fernando Marques Lubi
Design gráfico: Guilherme Luigi
Realização: Grupo Magiluth

 

O Satisfeita, Yolanda? faz parte do projeto arquipélago de fomento à crítica,  apoiado pela produtora Corpo Rastreado, junto às seguintes casas : CENA ABERTA, Guia OFF, Farofa Crítica, Horizonte da Cena, Ruína Acesa e Tudo menos uma crítica

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Encontro de avaliação pública
Festival Recife do Teatro Nacional – parte 3
Reflexões e desafios

Momento de escuta e proposta no festival. Foto: Alexandre Sampaio

Exposição da avaliadora Giovana Soar. Foto: Alexandre Sampaio

Com este texto, concluímos esse pequeno retrato do que foi a reunião de avaliação do 23º Festival Recife do Teatro Nacional, realizada no dia 2 de dezembro na sala da Banda Sinfônica no Teatro do Parque. Durante o encontro, diversos assuntos foram debatidos, refletindo sobre os desafios e as conquistas do evento. Um dos principais temas foi a organização e logística do festival, com destaque para a necessidade de ajustes nos horários e melhorias na divulgação, visando aumentar a participação do público, especialmente no OFF REC. A demanda de valorizar e apoiar grupos teatrais locais também foi indicada, com sugestões para fortalecer a cena cultural do Recife e promover maior inclusão e representatividade.

Outro ponto central das argumentações foi a infraestrutura e as condições de trabalho das equipes técnicas nos teatros, principalmente do Centro Apolo-Hermilo. Foram levantadas preocupações sobre a exaustão dos profissionais devido à sobrecarga de trabalho e à falta de recursos adequados, além da necessidade urgente de manutenção e atualização dos equipamentos. 

O encontro também explorou a relevância de criar espaços de diálogo e troca de ideias, inspirando-se em modelos de outros festivais, e a necessidade de uma comunicação mais eficaz para alcançar um público cada vez mais expressivo. Essas conversas refletem uma preocupação coletiva em aprimorar o festival e garantir sua sustentabilidade e relevância no cenário cultural local, regional e nacional.

Cena de ONÀ DÚDÚ Caminhos Negros na comunidade do Pilar. Foto: Ivana Moura

Artur Marinho expõe suas práticas na colaboração com Marconi Bispo no projeto ONÀ DÚDÚ Caminhos Negros. Este programa, que já ocorre nas ruas há dois anos, foi integrado ao FRTN pela primeira vez.

O percurso do ONÀ DÚDÚ começa na Praça do Arsenal e vai até a Cruz do Patrão, um trajeto que pode ser desafiador para pessoas idosas ou com mobilidade reduzida. Para facilitar, parte do caminho foi feita de ônibus, retornando ao Recife Antigo e envolvendo moradores locais e a comunidade do Pilar. A produção inclui integrantes do Pilar, criando um modelo de ocupação das ruas que dialoga com um público diversificado, principalmente composto por pessoas negras.

Apesar do sucesso na execução, Artur observa que o público foi o menor já registrado, o que ele atribui à logística de horário, uma terça-feira à tarde, durante um festival. Artur expressa preocupação com a dependência do virtual para divulgação, reconhecendo que nem todos têm acesso a essas plataformas. Ele sugere que o festival poderia se beneficiar de uma página centralizada para melhorar a divulgação e alcançar um público mais amplo.

Um adendo histórico relevante sobre o desenvolvimento do teatro no bairro do Pilar foi feito por Augusta Ferraz, que destacou a contribuição de Paula de Renor. Com o Teatro Armazém, Paula foi pioneira ao levar o teatro para aquela comunidade, promovendo desenvolvimento e dignidade no local. Augusta defende que ao se aventurar nesse espaço e desenvolver a arte, é essencial lembrar que Paula iniciou esse caminho há 20 anos.

Em resposta, Artur Marinho reconhece a importância do trabalho de Paula de Renor, afirmando que o projeto atual é uma continuação desse percurso. Porém ele assinala que a iniciativa atual com ONÀ DÚDÚ Caminhos Negros no bairro do Recife não está apenas levando algo para a comunidade do Pilar, mas sim se unindo a ela para a realização conjunta das atividades.

Augusta reforça que foi exatamente dessa maneira que Paula de Renor começou, através de uma iniciativa colaborativa, trabalhando lado a lado com a comunidade para criar algo significativo e inclusivo. E que é preciso dar crédito a quem iniciou essa parceria e envolvimento comunitário, que tem sido fundamental para o desenvolvimento cultural e social do bairro do Pilar.

A partir de sua experiência em Cara do Pai, Tatto reflete sobre o público. Foto: Divulgação

Ao discutir a dinâmica do público nos festivais de teatro, Tatto Medinni traz sua reflexão sobre a valorização e visibilidade dos espetáculos locais em contraste com produções de maior apelo midiático. Ele destaca sua experiência pessoal ao tentar divulgar sua peça Cara do Pai, a partir de publicações em veículos de comunicação como o JC e o G1. E observa que essas divulgações tendem a ser homogêneas, enfatizando principalmente estreias com figuras renomadas, como Marco Nanini, e grupos como o Magiluth. Essa prática, segundo ele, acaba direcionando o público para esses eventos, criando uma percepção de que são os principais destaques do festival.

Medinni deixa claro que sua crítica não é motivada por inveja, mas sim por uma preocupação genuína com a forma como a supervalorização de determinados espetáculos influencia a escolha do público. Ele conta que seu trabalho teve pouca audiência em várias ocasiões, inclusive no festival, enquanto outros, com maior apelo midiático, estavam lotados. Essa situação, segundo ele, não é culpa do festival, mas sim um reflexo do hábito do público recifense de priorizar espetáculos com artistas famosos, muitas vezes em detrimento de produções locais de igual qualidade.

No entanto, ele também reconhece que houve ocasiões em que espetáculos locais conseguiram atrair grande público e “bombaram”, demonstrando que há um potencial latente na cena teatral de Recife. Medinni menciona trabalhos passados com o Coletivo Angu e a montagem O Amor de Clotilde por um Certo Leandro Dantas, que conseguiram atrair uma plateia significativa.

Para enfrentar esse desafio, Tatto sugere que a assessoria de comunicação que divulgue todos os espetáculos da programação, mas valorize especialmente os locais. Ele acredita que uma comunicação mais abrangente poderia ajudar a equilibrar a atenção do público entre os diferentes eventos, promovendo um maior reconhecimento da cena teatral local.

Mulheres de Nínive teve um atraso de uma hora e meia devido a problemas técnicos. Foto: Divulgação

Ao relatar suas vivências e preocupações, Nathalie Revoredo fornece um panorama dos desafios enfrentados pelas equipes técnicas nos teatros do Recife. Ela expressa satisfação em ter participado ativamente do festival, tanto como oficineira quanto como iluminadora, destacando que é vital integrar novas pessoas ao processo. A inclusão de novos talentos em áreas técnicas como iluminação, cenário e figurino é vista como essencial para trazer a energia e o entusiasmo necessários à continuidade e renovação do festival.

As oficinas pré-festival poderão desempenhar papel crucial na formação de novas gerações de profissionais técnicos. Na sua perspectiva, essa possível mão de obra poderá contribuir com o evento. Além de ajudar a cultivar uma nova perspectiva sobre a produção teatral, incentivando a inovação e a criatividade.

No entanto, Nathalie expressa uma preocupação significativa com a exaustão das equipes técnicas dos teatros, como o Centro Apolo-Hermilo, frisando que ali são dois teatros distintos. Após 11 anos de trabalho nesse contexto, ela observa que os colegas de iluminação estão visivelmente exaustos, o que impacta tanto a qualidade das tarefas quanto no bem-estar dos profissionais. Essa situação é agravada pela estrutura reduzida das equipes, que frequentemente lidam com múltiplas atividades sem o suporte adequado.

No contexto do festival, ela participou de produções No Controle, Antígona – A Retomada e Mulheres de Nínive. Infelizmente, em Nínive, ela e a técnica de som enfrentaram o contratempo de entregar o palco com uma hora e meia de atraso. “Não foi intencional; estávamos ali, sofrendo com a situação, mas também muito conscientes das nossas escolhas. Chegou ao ponto de eu não poder sequer sair para ir ao banheiro, pois não havia tempo ou espaço para isso, e não podia me estressar com ninguém”, lembra Revoredo.

“Estávamos todos respirando fundo, inclusive os dois profissionais incríveis, Savio Uchoa e Ivo Barreto. Juntos, passamos por momentos de choro, risos, sofrimento, correria e vontade de desaparecer, enquanto tentávamos fazer tudo funcionar”, disse a artista iluminadora. Enfim, ela afirma que temos espaços exaustos e um corpo exausto não consegue realizar muito. Isso se aplica a todos os equipamentos, incluindo o próprio material da casa. 

Nathalie Revoredo entende a necessidade de um planejamento antecipado e de contar com uma equipe técnica bem preparada e descansada para lidar com as exigências artísticas e técnicas das montagens. Para produções que requerem maior delicadeza técnica, como no caso de Nínive, seria ideal montar o palco com um dia de antecedência, permitindo um tempo mais dilatado para ajustes e ensaios.

Além disso, Revoredo sublinha a urgência de aumentar o número de técnicos e técnicas nas casas de espetáculo do Recife, especialmente no Apolo e no Hermilo, onde a equipe atual está sobrecarregada. A exaustão não afeta apenas os profissionais, mas também o equipamento, que pode falhar devido ao uso excessivo e à falta de manutenção adequada. A iluminadora registra também que é crucial tratar essas situações com cuidado e empatia, buscando soluções que garantam a sustentabilidade e a qualidade dos festivais, com práticas que respeitem os limites humanos e materiais.

Savio Uchoa, diretor técnico do festival, corrobora com visão de Revoredo e reforça o quadro sobre os desafios enfrentados na administração dos teatros Apolo e Hermilo. Ele aponta que a responsabilidade de uma única equipe por dois teatros resulta em uma carga de trabalho significativa. Além disso, descreve o equipamento como ultrapassado e menciona que a programação do festival foi particularmente extenuante, com até sete teatros funcionando simultaneamente em certos dias.

Historicamente, aponta, o festival seguia uma prática de ter um dia de montagem seguido por um dia de espetáculo, o que ajudava a gerenciar a carga de trabalho. No entanto, a atual estrutura de turnos, com uma equipe trabalhando entre manhã e outra tarde/noite, não é ideal. Savio sugere que seria mais produtivo se os técnicos pudessem acompanhar todo o processo, desde a montagem até a apresentação, assegurando continuidade e familiaridade com o trabalho.

Ele relata que o equipamento frequentemente apresenta falhas e necessita de manutenção urgente, o que aumenta ainda mais a pressão sobre os técnicos. Savio menciona que alguns técnicos enfrentaram problemas pessoais que afetaram sua disponibilidade, como a necessidade de cuidar de familiares, o que ilustra a falta de flexibilidade e suporte dentro de uma programação tão extensa.

Além do atraso do espetáculo Nínive, Savio menciona problemas logísticos e burocráticos, como dificuldades com fornecedores e especificidades de licitação, que complicam ainda mais a organização do festival. Ele, com mais de 25 anos de experiência como iluminador, reconhece a frustração de lidar com equipamentos prometidos que não chegam ou não funcionam adequadamente.

O diretor técnico observa que o festival cresceu rapidamente, mas as empresas fornecedoras não acompanharam esse crescimento, resultando em desafios adicionais. Para atender à demanda, Savio trouxe ajuda extra, incluindo seu irmão, Saulo, também artista iluminador, na tentativa de suprir as necessidades do festival.

Apesar dos desafios, Savio acredita que a equipe conseguiu atender bem a maioria das demandas e que o processo foi um aprendizado valioso. Ele enfatiza a importância do diálogo e da colaboração entre todos os envolvidos, reconhecendo que cada membro da equipe tem responsabilidade em suas funções. No final, ele expressa um sentimento de realização, apesar de ter atravessador o caos, destacando o esforço coletivo para superar as dificuldades.

Monga fez a abertura do OFF REC no Teatro Hermilo Borba Filho. Foto: Ivana Moura

Rodrigo Dourado, idealizador e curador do OFF REC ao lado de Edjalma Freitas, inicia sua fala expressando gratidão a diversas pessoas e equipes, como André Brasileiro, Alexandre Sampaio, Pascoal Filizola, Ivo Barreto, Savio Uchoa e a equipe da Prefeitura, pelo apoio e acolhimento no festival. Ele destaca especialmente a contribuição de Giovana à Mostra, e o apoio recebido, principalmente da classe artística, mesmo que a recepção do público em geral tenha sido modesta.

Ao refletir sobre a essência do OFF REC, Dourado enfatiza que o festival serve como uma vitrine de processos em andamento, o que demanda uma reavaliação constante de abordagens e soluções para os desafios técnicos e logísticos. As dificuldades enfrentadas com as arquibancadas, que se tornaram caóticas durante a madrugada devido à sobrecarga das equipes técnicas, ilustram bem essa necessidade de adaptação. Muitas vezes, essas equipes precisaram gerenciar múltiplos espaços simultaneamente, o que complicou ainda mais a logística do evento.

Inspirando-se em modelos de outros festivais, como o Mirada com o Boteco Crítico do projeto Arquipélago, Dourado sugere a criação de espaços de encontro e diálogo, onde debates e conversas informais possam ocorrer após os eventos. A questão da participação universitária também foi tocada, com Dourado lamentando a falta de envolvimento mais ativo das universidades e conselhos acadêmicos nos eventos culturais. Ele lembra que, como coordenador da Semana de Artes Cênicas, enfrentou dificuldades em atrair público para debates e discussões, apesar do interesse pelos espetáculos. Como solução, propõe a filmagem e publicação dos debates futuros, transformando-os em registros permanentes que possam ser acessados e estudados.

Reconhecendo a complexidade da dinâmica cultural da cidade, especialmente em um mês movimentado como novembro, Dourado observa que múltiplos eventos culturais ocorrem simultaneamente, o que exige uma adaptação das estratégias de comunicação e engajamento do público. Ele enfatiza a necessidade de compreender essas novas dinâmicas para continuar atraindo e envolvendo a população nos eventos culturais da cidade.

Espetáculo Senhora. Foto de João Pedro Pinheiro

Larissa Pinheiro, assistente do espetáculo Senhora, reflete sobre sua participação anterior com Yerma Atemporal, mas confessa que esta edição do festival foi especialmente marcante. Ela aprecia a fusão entre teoria e prática, especialmente nas rodas de diálogo, onde encontrou um público diversificado e curioso. Um exemplo disso foi uma participante que, após uma oficina no Teatro São Isabel, decidiu espontaneamente assistir ao debate e ao espetáculo Senhora, demonstrando o impacto positivo do evento.

Valorizar os novos talentos da cena local é uma prioridade para Larissa, que destaca o papel crucial de estudantes e formandos de instituições como o SESC na formação cultural da cidade. Ela também enfatiza que a contribuição artística vai além da juventude, mencionando a inspiradora presença de Maria José, uma atriz de 84 anos, que continua a expressar sua paixão pelo teatro na terceira idade.

A recepção calorosa do espetáculo Senhora em cidades do interior, como Caruaru e Surubim, foi comparada à recepção no Recife, onde o público do FRTN se mostrou mais entusiasta do que o esperado. Larissa vê o festival de forma positiva, encontrando vigor e animação tanto dos participantes quanto do público presente.

Participar deste evento proporciona uma sensação única para Janaína Lima, jornalista da assessoria de imprensa da Secretaria de Cultura e do FRTN. Com uma longa trajetória ligada ao festival, que remonta aos seus tempos de curadoria local e à elaboração de uma monografia sobre o tema, Janaína agora vivencia uma nova fase profissional na Prefeitura, o que lhe oferece uma visão interna do festival.

Observando com satisfação, ela nota as novas ideias e os rostos que estão injetando vitalidade no evento, renovando a cena cultural. Contudo, Janaína também expressa certa frustração ao perceber que muitos problemas antigos ainda persistem. Ela relembra desafios passados, como a busca por espaço e apoio, e reconhece que algumas dificuldades continuam presentes. Ela está na secretaria há pouco tempo, auxiliando a assessora oficial Bruna Cabral.

Janaína Lima explica que, devido à legislação eleitoral, as redes sociais da Prefeitura foram suspensas, o que criou um desafio significativo na articulação dessas plataformas para o festival de teatro. As atividades online só foram retomadas pouco antes do início do festival, o que exigiu uma rápida reorganização e adaptação para garantir uma comunicação eficaz.

Com a retomada, a Secretaria de Cultura assumiu a responsabilidade de gerenciar essas redes, iniciando um processo de reestruturação e planejamento estratégico para maximizar o alcance e o impacto das comunicações digitais. Janaína reconhece as críticas feitas e a necessidade de melhorar a interação com o público.

Refletindo sobre os desafios enfrentados, Janaína comenta da necessidade de lidar com imprevistos, como atrasos na entrega de fichas técnicas e releases. Ela menciona a complexidade de coordenar todos os aspectos do festival e a importância de aprender a gerenciar essas situações.

O momento de avaliação é visto por Janaína como um componente central do festival, onde todos podem se reunir para discutir e debater após as apresentações. Ela considera esse espaço essencial para o crescimento e a melhoria contínua do evento, permitindo que diferentes perspectivas sejam ouvidas e consideradas.

O Satisfeita, Yolanda? faz parte do projeto arquipélago de fomento à crítica,  apoiado pela produtora Corpo Rastreado, junto às seguintes casas : CENA ABERTA, Guia OFF, Farofa Crítica, Horizonte da Cena, ruína acesa e Tudo menos uma crítica

 

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